《ART TAIPEI 2025》Open Territory ➻ Booth A07 | MIT 新人推薦特區➻ Booth M07

Name: 《ART TAIPEI 2025》Open Territory ➻ Booth A07 | MIT 新人推薦特區➻ Booth M07
Start: 2025-10-23T14:00:00+08:00
Location: 世貿一館

Schedule

Thu, 23 Oct, 2025 at 02:00 pm

UTC+08:00

Location

世貿一館 | Taipei, TP

2025年台北國際藝術博覽會（ART TAIPEI）即將揭幕，在全球藝術產業關鍵輪廓轉變的現在，台灣作為亞太區域重要交匯點之一，藝術家從在地經驗出發，將個人視角轉化為全球議題的對話場域；既是局勢的見證者，也是文化跨界的推動者。
今年，也趣藝廊以《Open Territory》帶來多位國際藝術家，共同探討在眾多空間與游離的條件下，屬於自身的心靈座標，呈現藝術作為重啟社會及個體連結的介面，如何在當代語境中不斷反省內在與世界的關係，並在微觀與宏觀間以視覺開啟對話。
沈昭良 Chao-Liang SHEN（b.1968）與築地魚市場這將近30年的紀實攝影，是一場宿命的相逢。「築地魚市場」(1993-2022)系列臨場、迫近又抽離的鏡頭張力，帶領觀者重返那個飄散著昭和風情，鼎沸雜沓卻也井然有序的拍賣現場；曾是全球規模最大的魚貨市場，在沈昭良的作品中不僅召喚歷史也彷若重生，同時記憶著長年追尋攝影與築地的鮮明步履。
華建强 Chien-Chiang HUA（b.1975）以「無草圖」與「快速下筆」的方式描繪臺灣的集體活動，強調即時、身體性與社會議題的即刻碰撞。作品靈感源於中秋燈會、白沙屯媽祖繞境，將民主與民俗並置，而角色們身穿統一服飾的重複性，隱含個體在集體中被壓縮為「社會螺絲釘」的焦慮，藉此探問社會權力結構與身份規格化。
吳逸寒 Yih-Han WU（b.1982）經常以女性、兒童做為描繪對象，並運用水彩，隨著水色的流淌勾勒輪廓，模糊抽象與具象界線。她筆下的身體已非被規訓與凝視的客體，而是自我言說的場域。母職中所孕育的依附與溫柔，揭示女性身體政治並不僅止於反抗，更涵納承受、照護與倫理思索，使存在在脆弱與堅韌間浮現出複調的聲音。
Willy VERGINER（b.1957）的作品如同一本未完的寓言，卻拒絕被歸類為童話。在他靜謐的人物雕塑中，潛藏對工業文明與自然生態失衡的無聲控訴。那一道鮮明的色彩分割，將身體一分為二，宛如人造與自然的裂痕，冷冽地揭示了我們所處世界的矛盾。人物在此不再是完整的「主體」，而成為一種容器；既是參與其中的行動者，也是無力旁觀的見證者。寓言的最後一頁，交付觀者，結局並非預先存在，而是必須在觀看與思考之中被不斷書寫。
Akiko SUMIYOSHI（b.1981）藝術家以細膩的筆觸上彩，在錫箔與洋金箔的映襯下留下極細的線條，更加凸顯動、植物的存在。畫面中，沉靜凝視前方的動物與茂盛攀藤的植物，共同構築出微妙的主客體關係，散發出真實的「靈氣」。正如哲學家 Timothy Morton 所提出的「共生體」（symbiosis）概念，人類從未孤立存在，而是始終與他者共同編織著一張複雜而無法切斷的生命網絡。
土屋仁應 Yoshimasa TSUCHIYA（b.1977）木雕創作題材為現實和神話中的動物、神獸，作品中蘊含安魂氣韻，並透過水晶琉璃鑲嵌的眼珠，製造一種動態凝視的生命力，通透流光，化為凝視的迴環，讓觀者感受其中的靈趣。
小泉悟 Satoru KOIZUMI（b.1983）的作品裡，童稚的面容冷峻而親和，披覆著不同生物的外衣，呈現出一種擬態般的生存姿態。這些形象暗示現代人的處境：在家庭、職場與社群媒體之間，我們不斷扮演多重角色，以回應外界的期待與壓力。小泉悟讓我們意識到，外衣並非真正的核心，人之為人的本體性仍在更深處，支撐著這些不斷轉換的身份。此種矛盾正呼應海德格爾對「本真存在」的追問：人在多重偽裝中仍渴望回歸自我。
郭志宏 Chih-Hung KUO（b.1982）以文化認同為起始，探索土地樣貌。不同於寫生的臨場感，他將山的千岩萬壑用光影的形式記在心中，而後，才緩緩在創作中流露出吉光片羽。多種表現方式使作品不再是靜止的而是滾動的。畫面中斷裂與連續並存的特質，使觀者在視覺游移間感受不同層次空間。
山田航平 Kohei YAMADA（b.1990）透過挪用藝術，將社會符號與藝術史語境重新編織。作品中，鮮明的少女形象懷抱克雷莫地雷，成為一種矛盾而尖銳的視覺隱喻。地雷上「FRONT TOWARD ENEMY」的標語轉化為繪畫的自我宣言：藝術既是誘惑，也是攻擊。以甜美外貌包裹危險能量，延續了從達達、波普到日本次文化藝術的反叛傳統，重新召回那份叛逆的靈魂。
也趣藝廊將攜手「MIT 新人推薦特區」獲獎藝術家陳劭彥，呈現持續創作十餘年的「重力風景」系列。以 0–200 號各式尺寸作品拼湊出心理地景的堆疊。
本次展出作品，陳劭彥回到家鄉臺東，將身體置入風景現場，在馬路上作畫，捕捉風速的推動、陽光的投射與自然的節律。他將身體感知視覺化，一筆一筆描繪出黑白交織的「感官地圖」，使風景不只是表象再現，而是探問自然內在秩序的過程。黑與白並非二元的對立，藝術家不斷擴張黑色、白色的距離與表達方式，筆觸之中有許多堆疊與抖動，是種曖昧的模糊。並利用白色線條創造光與空間縫隙，也是心理的縫補；進而延展出新的想像場域，亦回應個體內在的不安與修復，也讓作品在冷冽的黑白之間蘊含柔軟的療癒力量。