Fab_In_5

Name: Fab_In_5
Start: 2024-10-18T20:00:00+02:00
End: 2024-10-19T21:30:00+02:00
Location: Fabryka Sztuki

Schedule

Fri Oct 18 2024 at 08:00 pm to Sat Oct 19 2024 at 09:30 pm

UTC+02:00

Location

Fabryka Sztuki | Lodz, LD

FAB_IN Festival
Field Improvisation Festival
Kiedy?
18 i 19 października 2024 roku
Gdzie?
Fabryka Sztuki w Łodzi
Wstęp? Wolny!
Idea festiwalu FAB_IN
To festiwal inny niż wszystkie! To festiwal sztuki dźwięku. Artyści, których zapraszamy, są uznanymi specjalistami, którzy tworzą muzykę opierając się o field recording. Każdy z nich ma odmienne doświadczenia artystyczne i sięga innych korzeni. Obok muzyków wywodzących się z akademickiej sztuki audiowizualnej, będą znawcy subkulturowych nurtów muzyki industrialnej oraz elektronicznej. Nie zabraknie też samouków, których innowacyjność zaskoczy i zachwyci.
Co w programie?
18 października 2024
godz. 20.00
WIKTOR SZYMURSKI (PL)
SYLWESTER GALUSCHKA (PL)
JULIAN SARTORIUS (CH)

19 października 2024
godz. 20.00
DAWID CHRAPLA (PL)
RAPHAEL ROGIŃSKI (PL)
FRANZ HAUTZINGER (AU)

Wydarzenie odbywa się w ramach programu Przestrzenie Sztuki Łódź – Teatr 2024
Organizator: Fabryka Sztuki w Łodzi
Współorganizatorzy: Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Instytut Teatralny im. Zbigniewa Raszewskiego, Narodowy Instytut Muzyki i Tańca, Urząd Miasta Łodzi
Partnerzy: Teatr CHOREA, Prohelvetia, Austriackie Forum Kultury Warszawa
Partnerzy medialni: Studenckie Radio Żak w Łodzi, Glissando, Kalejdoskop, Miej Miejsce, Anxious Music Magazine
Program Przestrzenie Sztuki jest finansowany ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego, realizowany przez Instytut Teatralny im. Zbigniewa Raszewskiego oraz Narodowy Instytut Muzyki i Tańca. Program dofinansowano ze środków Urzędu Miasta Łodzi.

Artyści
Franz Hautzinger (Austria)
Trębacz, kompozytor i improwizator, urodzony w 1963 r. Od 1981 do 1983 r. studiował na wydziale jazzowym dzisiejszego Uniwersytetu Sztuki w Graz, dopóki porażenie ust nie zmusiło go do 6-letniej przerwy w graniu na trąbce. Po przeprowadzeniu się do Wiednia w 1986 r., od 1989 r. zaczął eksplorować trąbkę na swój własny i nieakademicki sposób. Współpracował z muzykami takimi jak Christoph Cech i Christian Mühlbacher, grał w big bandzie „Nouvelle Cuisine” oraz oktecie „Striped Roses”. Płyta „Zong of se Boboolink”, którą nagrał z saksofonistą Helge Hintereggerem, była jego pierwszym dziełem autorskim. Prawie roczny pobyt w Londynie przyniósł nowe pomysły i kontakty z takimi muzykami jak Kenny Wheeler, Henry Lowther, John Russel i Steve Noble. W 1997 Franz Hautzinger nabył trąbkę ćwierćtonową, co było decydującym etapem w jego karierze i przyczyniło się do powstania wyjątkowej płyty solowej „Gomberg” (2000), na której przedstawił własny, nigdy przedtem nie słyszany kosmos dźwięków, który odkrył w swoim instrumencie. Dzięki tej płycie Hautzinger znalazł się na czele międzynarodowej awangardy muzyki improwizowanej. Następnie współpracował i nagrywał z Derekiem Baileyem, weteranami z „AMM” (Keith Rowe i John Tilbury), Axelem Dörnerem, Christianem Fenneszem, Otomo Yoshihide i Sachiko M. Franz Hautzinger od 1989 r. wykłada na Wiedeńskim Uniwersytecie Muzycznym, jest członkiem grupy „zeitkratzer”, współpracuje z Klangforum Vienna. Wielokrotnie występował z koncertami w Europie, Ameryce i Azji.
Composer and performer of contemporary and improvised music.
Studied trumpet and composition at the Academy of Music and Dramatic Arts in Graz and at the Vienna Conservatory. Was teaching ensemble direction, composition and arrangement, structure analysis, at the University of Music and Performing Arts in Vienna. (Guest) soloist many ensembles, partner of internationally renowned artists (including Elliott Sharp, Gil Evans, Ensemble Zeitkratzer Berlin, John Cale, Christian Fennesz, Yoshihide Otomo, Jamaladeen Tacuma, Phil Niblock, Klaus Öhring, Radu Malfatti, Christian Wolf, Joachim Kühn , Derek Bailey, Keiji Haino, John Tilbury, KlangForum Vienna, ONCEIM) and leader of his own projects ("Franz Hautzinger Speakers Corner", „Dachte Musik, URUK, Big Rain, "Regenorchester" Gomberg). Numerous study trips and concert tours have taken him to India, the USA, Russia, Mexico, Nepal, Europe, Estonia, Mongolia & Zimbawe. Hautzinger received numerous grants and awards, had several solo concert programs and received commissions for various ensembles, theater and music performances.
http://www.franzhautzinger.com

Julian Sartorius (Szwajcaria)
Wybitny szwajcarski perkusista oraz muzyczny eksperymentator, który kształcił się w szkołach jazzowych w Bernie i w Lucernie. W ostatnich latach Julian Sartorius współpracował z wieloma muzykami, w tym z Matthew Herbertem, Sophie Hunger, Sylvie Courvoisier, Gydą Valtysdottir i Shahzadem Ismaily. Jego pasją jest rytm, i gra niemal na wszystkim, na znalezionych przedmiotach, obiektach etc. Grając tworzy rytmiczne struktury. Perkusyjny kunszt Juliana można również znaleźć na albumach Kae Tempest i James Zoo. Julian Sartorius koncertował i występował na żywo w Ameryce Północnej i Południowej, Azji i Europie, z takimi artystami jak Marc Ribot, Deerhoof, Faust, Jaki Liebezeit i Arto Lindsay.
W marcu 2024 roku ukazała się jego najnowsza płyta „Hidden Tracks: Domodossola – Weissmies”, to niewątpliwie warte uwagi dzieło, które przy każdym następnym odsłuchu, ujawnia kolejne warstwy muzycznego pejzażu stworzonego podczas niesamowitej podróży. Na swoim najnowszym wydawnictwie „Hidden Tracks: Domodossola – Weissmies” zabiera nas w niecodzienną podróż wspinaczkową zaczynającą się we włoskim miasteczku Domodossola (272 m n.p.m.), a kończącą na szczycie Weissmies (4017 m n.p.m.) w szwajcarskim kantonie Valais i pokonując przy tym 3745 metrów różnicy wysokości. Niemal od razu wystaje z pamięci paralela łącząca się z jego innym albumem sprzed kilku lat „Hidden Tracks: Basel – Genève”.

Drummer, percussionist and artist Julian Sartorius forms sounds into previously unseen shapes. His precise and multi-layered rhythmical patterns are keen excursions into the hidden tones of found objects and prepared instruments, bridging the gap between organic timbres and the vocabulary of (experimental) electronic music. Julian Sartorius has released numerous solo albums, creates audiovisual art works, collaborates with musicians, writers and artist and performs live in intimate venues and on festival stages.
Trained at the Jazz schools in Berne and Lucerne by instrumentalists like Fabian Kuratli, Pierre Favre and Norbert Pfammatter, Julian Sartorius soon developed a singular musical approach. Being interested in fine-scaled variations, tension and release, mass and vibrancy, he creates projects like the 12-LP-box set «Beat Diary» (Everest Records, 2012), consisting of 365 beat tracks and an accompanying photo book; the daily 8-seconds loop series «Morphblog» (from 2013 to 2019); or «Depot», an audiovisual installation for 16 loudspeakers and 16 screens that was shown at Kunstmuseum Thun. For his last album «Hidden Tracks: Basel – Genève» (Everest Records, 2017), Julian hiked over 200 km with his drum sticks and recording equipment, playing and recording a multitude of sounds and textures on objects found on the journey.
In recent years, Julian Sartorius has collaborated with numerous musicians including Sophie Hunger, Sylvie Courvoisier, Gyda Valtysdottir, Dimlite, Shahzad Ismaily and Dan Carey. His distinct percussion work is featured on the current albums of Kate Tempest, Matthew Herbert and James Zoo.
Julian Sartorius has toured and performed live in North and South America, Asia and in Europe sharing the bill with artists like Marc Ribot, Deerhoof, Faust, Jaki Liebezeit and Arto Lindsay.
https://www.juliansartorius.com

Raphael Rogiński (Polska)
Gitarzysta, kompozytor, improwizator, animator kultury, a także badacz folkloru muzycznego. Wykształcony jazzowo i klasycznie, edukację poszerzył o muzykologię i etnomuzykologię. Miks tych dwóch dróg jest wyznacznikiem stylu jego twórczości pod względem kompozytorskim jak i wykonawczym. Głęboko związany z kulturą żydowską, prowadzi badania nad jej zapomnianymi tradycjami przekładając ich znaczenie na współczesność. Gra też muzykę turecką, beduińską, afrykańską, lapońską, perską, ormiańską etc., występując z muzykami z tych miejsc. Muzyka Ameryki Północnej – blues i rock lat 60. – to następna znacząca część inspiracji Rogińskiego, która to przefiltrowana daje o sobie znać w zespołach, jak i koncertach solo. 7 września 2024 roku, nakładem krakowskiej wytwórni Instant Classic ukazała się płyta się „Talán”.
„Talán”to bardzo stare (prawdopodobnie scytyjskie) słowo, które znaczy „może”. „I tu chyba jest źródło mojego podejścia do tematu - biorę coś, by obok stracić” – tłumaczy Rogiński. „To ciągły proces osiągania czegoś poprzez pochłanianie innego, ale też odwrotnie - utraty. Interesuje mnie ta miara. To również medytacja nad procesem, spokojne przyglądanie się”.
Choć w swoich poszukiwaniach muzycznych Rogiński nie ogranicza się do jednego rejonu świata, to „Talán” jest wynikiem fascynacji przede wszystkim Morzem Czarnym. Wszystkie utwory jakoś są z nim związane, a część powstała w Odessie – mieście, które stanowi geograficzną bramę do Azji. „Tędy część moich przodków przeszła do Europy” – mówi muzyk. „W czasie komponowania tych utworów poznawałem Morze Czarne fizycznie i duchowo. Zwane kiedyś Morzem Niegościnnym, stało się po jakimś czasie Morzem Gościnnym. W tym przypadku ujarzmiono mitologię, ale gdy tajemnica się rozmyła i spotkały się różne cywilizacje, po jakimś czasie powstały nowe mity.”

„Talán” is the title of Raphael Rogiński’s new solo album that comes out on September 7th via Instant Classic label. Rogiński – Polish guitarist, composer and musicologist, received recognition not only as a member of the Shofar trio where he performs with saxophonist Mikołaj Trzaska and percussionist Macio Moretti but also thanks to his astounding takes on John Coltrane’s music released in 2015 „Plays John Coltrane And Langston Hughes African Mystic Music”. „Talán” is a very old (probably Scythian) word that can be translated as „maybe” and that’s where my musical approach comes from – I take something in order to lose something else, Rogiński explains. It’s a constant process of achieving goals by getting rid of others and I’m fixated on this idea. It’s also a meditation upon a process, a calm observation, he adds. „Talán” is also a result of Rogiński’s fascination with the Black Sea. All of the tracks are somehow connected to it and some were composed in Odessa – a city often thought of as a gateway to Asia. This is where my some of my ancestors arrived to Europe, says Raphael. When working on these tunes I came to know the Black Sea both physically and spiritually. What’s interesting, it’s been once called Inhospitable Sea only to later turn into Hospitable Sea. A myth was tamed and when the mystery disappeared and different civilizations met, a new myth came into life. You may notice an unorthodox sound of this album and please be aware that this is intended. It came straight from my heart. I wanted this music to sound as if played right next to the listener and that’s why you may notice strange background noises recorded when I was playing – explains Raphael. The album was composed over a couple of years and took many attempts at the recording. My patience is usually very limited so this has been a strange experience for me. But traveling the region of the Black Sea and discovering its nature within myself required time. Our world is full of wonders and awes and traveling (both physically as well as emotionally) remains one of the most important aspects of living, Rogiński admits.
https://raphaelroginski.bandcamp.com/?fbclid=IwZXh0bgNhZW0CMTAAAR1g2gfm3B8D5bRWu14OoUqJFKnOLyHEYoTmbpdcBVUee9hGIcuh5ZKUs-s_aem_ZmFrZWR1bW15MTZieXRlcw

Sylwester Galuschka (Polska)
Artysta dźwiękowy i wizualny. Mieszka i pracuje w Gdańsku. Porusza się w kręgu improwizowanych, dornowych sesji dźwiękowych. Podczas występów solo używa instrumentów onazwie Lyra 8 + Pulsar 24. Tworzy instalacje dźwiękowe, wizualne, słuchowiska, muzykę do filmów. Jest autorem projektów dźwiękowych: „4 Etiudes for Lyra” (stypendium Miasta Gdańska) , BLASK, Sound Postcards. Współpracuje dźwiękowo i wizualnie z Laurą Adel (LASG), Katarzyną Podporą, Bartoszem Borzeszkowskim (BBSG), Oskarek Tomalą i Aleksandrą Słyż. Występował na: Idealistic Festival, DYM Festival, Borderline Festival, TSE 2024. Twórca i organizator wydarzeń artystycznych w Gdańsku. Prezes Fundacji Kolonia Artystów. Dyrektor artystyczny: Open Source Art Festival w Sopocie oraz DNA - Drone Noise Ambient w Gdańsku. Kurator prezentacji Gdańska podczas Europejskiej Stolic Kultury we Wrocławiu 2016.
https://galuschka.bandcamp.com
https://soundcloud.com/galuschka
Dawid Chrapla (Polska)
Droga muzyczna Dawida zaczęła się ponad 20 lat temu. Najpierw jako czas zbierania inspiracji i „osłuchiwania” się, a potem jako okres, w którym zaczął dojrzalej zajmować się zawartością, kompozycją i teksturami tego co tworzy. Przeszedł dość ciekawą drogę jako słuchacz od gitarowej muzyki wywiedzionej z podziemnego metalu, industrial metalu, EBM, grind-core’a i obrzeż gatunkowych takich jak Skinny Puppy, co zaowocowało bardzo silnym wyczuciem stylów i wyjątkową wrażliwością na to co jest szerokim spektrum różnych stylów kompozycji i tworzenia muzyki elektronicznej. Od samego początku interesowały go również techniki produkcji studyjnej, nagłośnieniowej, praca w studio, które sam od wielu lat tworzy w domu. W jego dyskografii można wyróżnić nie tylko fazy jakie przechodził jako świadomy muzyk: od mocno abstrakcyjnej, eksperymentalnej formy, poprzez post-industrialny okres nasączony inspiracjami muzyki noise, post-techno czy ambient do form które są bardziej bliskie rytmicznym tematom łączących wcześniejsze inspiracje. Dawid jest również zaangażowany mocno w field recording. Regularnie nagrywa w terenie, również pracując nad instrumentarium, lepszą jakością i interesującą zawartością. Innym aspektem jego działalności są rozmaite kolaboracje i remiksy. Tutaj paleta artystów zaangażowanych jest stylistycznie bardzo zróżnicowana. Jest też Dawid sprawnym organizatorem eventów i koncertów. Dojrzałe podejście do tego co jest zawartością muzyczną i zrozumieniem tego od strony twórcy, pomaga mu w doborze ciekawych wykonawców i wyjściem naprzeciw ich potrzebom.
David’s musical path began over 20 years ago. First as a time to gather inspiration and auscultation, and then as a period in which he began to deal more maturely with the content, composition and textures of what he creates. He has come a fairly interesting way as a listener from underground metal, industrial metal, EBM, grind-core and peripheral genre edge bands such as Skinny Puppy, which resulted in a very strong sense of styles and exceptional sensitivity to what is a wide range of different styles of compositions and creating electronic music. From the very beginning, he was also interested in studio production techniques, sound amplifiers, work in the studio, which he has been creating at home for many years. In his discography, one can distinguish not only the phases he went through as a conscious musician: from a highly abstract, experimental form, through a post-industrial period inspired by noise, post-techno and ambient music, to forms that are closer to the rhythmic themes linking his previous inspirations. Dawid is also heavily involved in field recording. He regularly records in the field, also working on instruments, better quality and interesting content. Another aspect of his activity are various collaborations and remixes. Here the palette of artists involved is stylistically very diverse. Dawid is also an efficient organizer of events and concerts. A mature approach to what is musical content and understanding it from the creator's side helps him in choosing interesting performers and meeting their needs.

https://saamleng.bandcamp.com/album/the-voice-of-steelworks
𝔀𝓲𝓴𝓽𝓸𝓻 𝓼𝔃𝔂𝓶𝓾𝓻𝓼𝓴𝓲 (Polska)
Rocznik 2002. Urodzony w Poznaniu, mieszkający w Łodzi twórca muzyki eksperymentalnej, skupionej wokół gatunków takich jak noise, sound collage, industrial, drone, ambient i hiphop. Przesterowane brzmienia cyfrowych sampli miesza z warstwami nagrań terenowych, wzbogacając poszarpane melodie o przestrzenne tła, rozmyte plamy dźwięku oraz hipnotyczne ASMR. W pracy nad muzyką zależy mu na budowaniu gęstej atmosfery, zacieraniu granic między stylami, a także balansowaniu między rytmiczną przyjemnością a dyskomfortem skrajnego hałasu. Dba narracyjny i dramaturgiczny wymiar utworów, nieustannie poszukując nowych form ekspresji. Zadebiutował mini-albumem „Próba ciała”, na którym skrawki rytmu osadzone na cyfrowym przesterze mieszają się z organicznymi wtrętami. Następnie wydał szereg niepowiązanych ze sobą singli o spokojniejszym, melancholijnym brzmieniu, utrzymanych w hip-hopowej stylistyce. W 2023 wydał swoją drugą EP-kę „Dysphoria” w holenderskim labelu Anekumena Tapes, gdzie sensualne plamy dźwięków industrialnej przestrzeni powiązał z ekstremalną odmianą harsh noise’u, masywnym dronem i field recordingiem. 7 czerwca b.r. nakładem wydawnictwa Enjoy Life ukazał się jego najnowszy album “Sanatorium wstydu”, bliższy eksperymentalnemu słuchowisku lub instalacji dźwiękowej.
Współpracuje z Łódzką Szkołą Filmową, tworząc muzykę i dźwięk do nagradzanych na międzynarodowych festiwalach krótkometrażowych filmów animowanych. W 2021 roku skomponował oryginalny soundtrack do spektaklu „Zastrzel mnie i weź ze sobą” dla Teatru Nowego w Poznaniu, a w listopadzie 2023 stworzył muzykę na żywo do projekcji filmu niemego „Zmęczona śmierć” (1921, reż. Fritz Lang) na Wydziale Filologicznym Uniwersytetu Łódzkiego. Podobne wydarzenie odbyło się 20 maja 2024 roku, kiedy w tym samym miejscu odbył się pokaz z muzyką na żywo do filmu „Szalony paź” (1926, reż. Teinosuke Kinugasa). Do tej pory zagrał ponad trzydzieści koncertów i setów DJ-skich, m.in. w Warszawie, Łodzi, Poznaniu, Krakowie i Berlinie.
https://open.spotify.com/artist/6QEeaCpEHlQT6qzVQbF4YA
soundcloud:https://soundcloud.com/wiktor-szymurski
https://wiktorszymurski.bandcamp.com/
https://www.youtube.com/channel/UCaPC5IrimU2G9Uo4la9GATA